ANÁLISIS DEL LIBRO.

EL MISTERIO DE LA CREACIÓN ARTÍSTICA, STEFAN ZWEIG.

1-Breve biografía del autor/ editorial/ año de edición/ otros títulos del mismo autor.

Stefan Zweig nació en Viena, Austria, en 1881, y falleció en Petrópolis, el 22 de febrero de 1942. Estudió Filosofía en la Universidad de Viena, y fue ahí donde se empezó a interesar por la literatura, publicando su primer poemario en 1901. Desde ese momento, no cesó con su pasión, continuó escribiendo dentro de varios géneros de la literatura, desde ensayos, novelas, teatro, etc. El libro escogido es el de “El misterio de la creación artística”, de la editorial Sequitur. Fue publicado a finales de los años 40. Stefan Zweig también a escrito libros como “El candelabro enterrado”, “El mundo de ayer: memorias de un europeo”, “La lucha contra el demonio”, “¿Fue él?”, etc.

2-Resumen general del libro (realizado por vosotros y después de leerlo).

Todos nos preguntamos cómo llega un artista a crear una gran obra. Este misterio, el de la creación artística, tanto de un libro, como de un cuadro, o de una ópera o canción, no se trata solo de uno, si no que cada artista tiene su propio método, y puede ser analizado de forma totalmente diversa. Todos los artistas parten de una inspiración, de una idea que se les viene a la cabeza, y que después tratan de plasmar sobre el lienzo, papel, o pentagrama. Algunos de estos creadores, durante el proceso de creación puede que se encuentren en otro mundo aislado, que vivan la obra realmente, que sea todo obra del subconsciente y no “estén en la realidad mental” durante el proceso. En cambio otros artistas no les fluye la inspiración, tienen que trabajarlo, de forma más difícil y con más esfuerzo, hasta conseguir llegar a la perfección que desean. También hay que tener en cuenta el tiempo de creación. Cada artista crea su propio tiempo, es decir, un artista puede tardar en finalizar su obra menos de un día, o incluso hacer varias en un solo día, y otro necesitar varios años, pero no por eso significa que una este más perfecta que la otra. Todos los artistas trabajan diferente, y llegan a sus obras perfectas por caminos completamente distintos. Cada artista tiene su propio método, lo único que tiene que hacer es seguir uno de esos caminos. Todos estos son validos con tal de que en un final se llegue a la perfección, no importa ni el tiempo transcurrido, ni la dificultad o facilidad, importa la obra perfecta.

3-¿Qué claves se enuncian en el prólogo?

Stefan Zweig trata el prólogo como Alice Walker escribió “El color púrpura”. Mediante estas breves cartas que él mismo escribe a la misteriosa “F”, trata de introducirnos en lo que es el libro en sí, hablando de temas de comunicación en otros países, de los diferentes idiomas y sus dificultades a la hora de desarrollar sus conferencias, de su gran éxito en estos y de lo que la gente le admira, y acto seguido que le desprecia... En tres simples cartas consigue introducir al lector en lo que viene a continuación, la lectura de una de sus conferencias pronunciadas en los años 40, en Buenos Aires, Argentina.

4-¿Cómo está organizado el libro?

Este libro empieza con un breve preludio/prólogo, explicado anteriormente, que nos introduce directamente en la vida,  la forma de pensar y de expresarse y escribir del autor, Stefan Zweig. Acto seguido comienza con la conferencia que dio el mismo en la ciudad de Buenos Aires el 29 de octubre de 1940. Desarrolla el tema del misterio de la creación artística de una forma muy ingeniosa. Después de plantearnos la incógnita de porque nos fascina tanto esa creación y las obras de algunos mortales, nos explica el método que hay que seguir para conseguir esto. Ninguno de estos seres es una divinidad ni alguien superior, son mortales al igual que tú o yo, lo que les diferencia de los demás es que a esa inspiración que a todos nos puede llegar algún día, le han sumado el trabajo. Esto último es lo que el autor presenta como conclusión en la conferencia, a la inspiración hay que sumarle dedicación, esfuerzo y trabajo, sino nunca se podrá llegar a la obra perfecta. Antes de llegar a esta gran conclusión, que es tan inspiradora y esperanzadora, Stefan Zweig nos ilustra con varios ejemplos, algunos de ellos tan contradictorios que parece que nunca se decide por quien es el verdadero creador, si el de la inspiración divina y las fuerzas sobrenaturales, o el matemático que se esfuerza y pasa horas al día durante años para llegar a la perfección. Por ejemplo compara la forma de crear de Mozart (instantánea y sobrenatural) con la de otros músicos (que trabajan y luchan contra las dificultades de las obras) como Beethoven; y a otros tantos como Schubert, Edgar Allan Poe, también menciona a Arquímedes, etc. Gracias a todos estos abundantes ejemplos, consigue que al llegar a la conclusión (inspiración más trabajo) consideremos en nuestras mentes que nosotros mismos algún día podremos ser creadores y mostrar al mundo nuestras ideas e inspiraciones.

Cabe destacar que en el mismo libro (y en el caso de la editorial Sequitur, después e acabar con la conferencia de el misterio de la creación, introduce otros “ejemplos” y temas. En primer lugar encontramos “Hugo Von Hofmnannsthal”, que fue una oración conmemorativa para el funeral cívico en el Burgtheater de Viena en 1929. En este apartado habla sobre la edad de los artistas y la experiencia, y de forma resumida podría decirse que el protagonista de esta oración conmemorativa rompe con la idea de que hay que conocer, y para ello tener edad y madurez, ya que en temprana edad empezó a escribir obras perfectas, como “Muerte del Tiziano”.  En segundo lugar encontramos el “Prólogo al libro Toscani” de Paul Stefan, 1936. En este apartado habla sobre la superioridad de lo perfecto sobre el arte. Este es un ser “superior”, un músico tan excelente que todos los demás quedan a sus pies cuando están junto a él. También trata de explicar que la rutina de escuchar obras suya rompería su perfección y excelencia, así que es una suerte poder escucharlas tan de vez en cuando.  “La elección de Rodin”, publicado póstumamente en Du, 1943. En este nuevo apartado trata la idea que ya menciona en la primera parte (en “el misterio de la creación artística”), de que necesitamos ver el estudio del artista, y sobretodo verle en acción , como trabaja, para poder comprender realmente como llega a la obra perfecta. El acudió en concreto al estudio del maestro escultor Rodin. También trata el tema de la concentración y de evadirse de lo que está alrededor, meterse en la obra y que nada te desconcentre o moleste, ni una presencia de unos ojos que miran ansiosos por aprender y descubrir ese misterio, el de la creación.  “Dante”, publicado en Neue Freie Presse, Viena, 11 de septiembre de 1921. Tratando, como el propio título indica, sobre Dante, y el trato de divinidad que recibía. “Arthur Rimbaud”, artículo publicado en Die Zukunft, Berlín 21 febrero de 1907. Otro ejemplo de la edad del creador, que no tiene importancia ni relevancia en la obra final y perfecta, como el primer apartado (Hugo Von Hofmnannsthal). Arthur Rimbaud se conoce como un joven que necesitaba sacar de sus adentros todo el arte y la pasión por él que tenía encerrado, joven pasional. Y por último encontramos “Note sobre el Ulisses de James Joyce”, artículo publicado en Die Neue Rundschau, 1928.

5- Puntos que resaltarías como los que más te han servido.

Al empezar a leer este libro, y entender que los artistas solo pueden ser creadores si les llegaba la inspiración divina, “marchaban” a otro mundo, y realizaban la obra de forma inconsciente, puedes pensar que hago estudiando arte, en mi caso. Pero después de finalizar el libro, explica que no lo es todo la inspiración, que solo con eso no se consigue la perfección en una obra, una obra que perdure en  el tiempo. A esa inspiración hay que sumarla el trabajo, hay que conseguir llevar esa inspiración por media de trabajo, esfuerzo, y dedicación, hasta la perfección que deseamos. Este final consiguió animarme ya que si con trabajo (y una buena idea e inspiración) podemos crear, todos podemos ser creadores, artistas, pero con dedicación y sin cesar en nuestro trabajo, no abandonar la idea, sino darla forma hasta lo perfecto.

6- Descubrimientos personales a través de la lectura de este libro.

Todos podemos ser artistas, ya sea por inspiración divina y fuerzas sobrenaturales, o porque nos esforzamos y trabajamos horas para poder lanzar al mundo nuestra idea. Y en este caso creo que sí que hay que contradecir a Francisco M. Ortega Palomares (“Ideario”), y hay que aferrarse a tus ideales sobre los de cualquiera, creer en uno mismo, y seguir adelante con la inspiración que un día te llega, llevándola a la perfección. Para poder crear, hay que creerse a uno mismo, y no desperdiciar ninguna de las ideas que se vienen a la cabeza, sino trabajarlas.

7-¿Recomendarías este libro?

Sí que recomendaría este libro, tanto a gente interesada en el arte y en crear ellos mismos, como a los que no se consideran artistas o no están interesados en él. Muchas más cosas de las que nos pensamos están relacionadas con el arte de la creación, y un ejemplo muy claro, sería la cocina, puede que no se vea arte en esta disciplina, pero los cocineros inventan, crean nuevos sabores, recuerdos, trasmiten sensaciones, y a parte de ello, la disposición en el plato, la entrega, tiene que tener una composición adecuada. Para mi en casi todas las cosas hay arte, y ha intervenido la creación. Gracias a este libro puedes darte cuenta de que con esfuerzo (o con suerte con ayuda de fuerzas sobrenaturales y divinidades) todos podemos crear, aferrarnos a una idea, a una inspiración, y enseñársela al mundo, que perdure en el tiempo. Cada uno por nuestro camino, llegando hasta la perfección que estemos buscando.

Lo que si que tengo que añadir/ criticar sería el uso excesivo de ejemplificaciones, y en añadir textos de otras obras o conferencias, preludios, etc, que hacen que este libro sea algo más pesado y difícil de terminar y de llegar a la conclusión que el autor desea transmitir.

8-Otros autores que abordan este tema.

Mencionado directamente en el libro de Stefan Zweig está Edgar Allan Poe, con su ensayo “The philosophy of composition”. “Males de artistas. Enfermedad y creación”, de Omar López Mato, “La aventura de la creción”, de José Caballero, “Los secretos de la creación artística: la estructura órfica”, de Iván González Cruz, “La creación artística”, de François Rastier, “Sentimiento y creación”, de Ángel Rupérez…

9- Orígenes del tema a sobre el que gira el libro.

El propio autor es un creador, suponiendo así que trata de explicarnos como se consigue hoy en día llegar a ser un artista, o ya no tanto un artista reconocido inmediatamente por pintar un cuadro, o componer una melodía, incluso escribir un libro, sino que trata de explicar el proceso del creador, como llegar a la perfección de la obra. El origen esta en la incógnita y el deseo por saber de la gente, de cómo se llega a la creación. Todos nosotros nos hemos preguntado a menudo qué es lo que tiene un cuadro de Goya, o una melodía de Mozart, o un libro de Poe, para que sea tan especial y perecedero, por encima de muchas otras millones de obras.

10- Conclusiones a las que has llegado.

Todos nosotros podemos llegar a crear, y ya no tiene porqué ser con el fin de ser un artista reconocido, ni estar por encima de los mortales que no les ha llegado la inspiración, o que les ha llegado pero simplemente no han trabajado en ella. El simple hecho de crear algo propio, una obra que llegue a la perfección tan ansiada, te hace sentirte realizada como persona, y con eso debería de bastar para sentirse satisfecho uno en la vida. 

PROPORCIONES DEL CUERPO HUMANO.

LUNES 6 NOVIEMBRE.

Las piernas forman un triángulo equilátero.

Desde el ombligo circulo.

Los dedos se encuentran entre la intersección del círculo y del cuadrado.

Altura igual a envergadura de sus brazos

4 dedos una palma

Seis palmas un codo

4 codos altura del hombre

Planta de los pies a la rodilla un codo

Desde rodilla a genitales un codo

Genitales a pezones un codo

Pezones hasta coronilla un codo

Ancho de los hombros codo

Pie igual a séptimo altura total

Distancia codo a axila  medio codo

Cara dividida en tres partes

Altura ocho cabezas

Tamaño oreja un tercio

Altura cara un decimo altura total

Cabeza tamaño cara entera

Línea umbilical muestra la razón áurea.

La envergadura de mis brazos sí que coincide con mi altura total, pero al medir pierdas en relación con la medida de mis codos, empiezo a estar algo más desproporcionada- desde los pies hasta la rodilla sí que hay un codo, desde la rodilla hasta los genitales hay menos de un codo, desde los genitales hasta los pezones y desde los pezones hasta la coronilla hay un poco mas de un codo, es decir, tengo las piernas cortas. Mi pie si que es casi un séptimo de mi altura total (siendo un poco menos). Mi palma si que corresponde a cuatro dedos. La anchura de mis hombros es un poco menos que mi codo. Mi codo son cinco palmas en vez de seis. Mi altura no son solo cuatro codos, son cuatro y medio. De codo a axila si hay medio codo. Mi cara sí que está dividida en tres partes. Mi altura son ocho cabezas y media. Mi mano cubre mi cara entera.

EXPOSICIONES PARQUE DEL RETIRO.

ESTHER FERRER Y DORIS SALCEDO.

.ESTHER FERRER.

.TODAS LAS VARIACIONES SON VÁLIDAS, INCLUIDA ESTA.

La exposición de la artista Esther Ferrer se encuentra en el Palacio de Velázquez, en el Parque del Retiro. Todo el conjunto trata temas comunes como el tiempo, el espacio, y la presencia. Algo que me ha llamado la atención de su obra es que es bastante interactiva. Los espectadores pueden intervenir en varias de las instalaciones, colocando sillas de la forma que cada uno quiera, moviendo péndulos, etc, y también el poder escuchar con auriculares a la propia artista realizando sus obras y explicándolas o ilustrándolas, dándolas sentido. La obra central es "poema de los números primos", es la que llama la atención al entrar en la sala ya que ocupa un gran espacio en el suelo. y después en las paredes hay más partes de esa obra, y se puede ver todo el proceso. Con esta obra E. Ferrer muestra su pasión por el tiempo (como ya he dicho antes), y también por lo infinito, los números primos.

Pero las obras que más me han llamado la atención se encontraban a ambos laterales de la parte central, en dos salas anexas. En primer lugar, la parte del piano: un piano de cola blanco lleno de frases y palabras. Todas estas palabras estaban relacionadas con el compositor y pianista Erik Satie. Él añadía estas frases y palabras en sus partituras como forma de despojarse de los prejuicios académicos. Algo que puede resultar muy interesante es que se puede tocar el piano allí mismo, cualquier persona, eso hace que la relación entre artista y espectador sea más cercana (esto ocurre en bastantes de sus obras).

En segundo lugar, también en la parte lateral izquierda de la sala, contigua a la obra del piano, encontramos una serie de obras todas relacionadas con el sexo, lo erótico, y una critica hacia lo sexual y su opresión. la primera obra que se ve del conjunto es la de L'Uccello di Leonardo. Esta inspirada directamente en la obra de Leonardo del pájaro, la estructura metálica con alas como invento para volar. Pero ella lo da la vuelta, y pretende que con ella se mida la fuerza de un pájaro. Al colocar una figura fálica sobre la estructura se llega a la conclusión de que quiere medir la fuerza sexual de un uccello. 

Dentro de esta misma línea encontramos otras dos obras que llaman bastante la atención. Primero voy a tratar la obra llamada "Juguetes educativos". Son juguetes infantiles militares, como helicópteros, militares, armas de fuego, etc. Todos y cada uno de los juguetes expuestos incorporan una figura fálica, siendo una crítica a la sexualidad normalizada, a la opresión, a lo que se tiene por normalizado en el sexo y al no investigar ni experimentar en él. Llama la atención ver tanto sexo masculino, pero también puede ser una forma de normalizar el tópico del sexo, un tema demasiado tabú aún en el Siglo XXI. 

Y en segundo lugar, también con esta idea de opresión sexual, de patriarcado, y apareciendo el tópico de la violación, encontramos tres lienzos muy impactantes: "Una es virgen y la otra no", y "Lienzo violado y embarazado por artista". Con estas tres obras critica la posibilidad de que una persona tenga el derecho de hacer lo que quiera con otra, llegando hasta el punto de humillarla violándola, quitándole su intimidad y algo tan personal. Una es virgen y la otra no se compone por dos cuadros, uno de los blanco en su totalidad, y el otro blanco, pero con una mancha de sangre en el centro. Y la obra Lienzo violado y embarazado se trata de un lienzo con una semiesfera que abulta la parte central del cuadro, simulando un embarazo, pero por violación, algo que está más normalizado y que se comete bastante a menudo alrededor de todo el mundo, y que muchos de nosotros ignoramos. 

Por último, la obra que más me gustó e impresiono de todas las salas fueron las fotográficas que se encontraban en la parte derecha de la sala. "Autorretrato en el espacio (de la nada a la nada)" se compone de fotografías desde lo blanco (la nada), hasta su propio rostro bien definido, y de nuevo a lo blanco (la nada). Otra vez Esther Ferrer relaciona el tiempo y el espacio, todos nosotros nacemos siendo nadie, en algún momento de nuestra vida seremos conocidos por un periodo de tiempo, para después llegar a la muerte y dejar de ser nadie. Las fotografías están colocadas en escala, de menos definida a definida y de nuevo a lo menos definido, lo blanco total. Con esta disposición en línea se puede visualizar correctamente la obra y entenderla. También puede que esté haciendo una alusión al paso del tiempo (tempus fugit). 

También  como obra autobiográfica y de fotografía, la artista se autorretrato en varios años diferentes, y después fue combinando mitad de la cara de un año, y mitad de otro en la misma obra. Con estas fotografías quiere referirse de nuevo al paso del tiempo, a lo que cambiamos, y se supone que maduramos con el tiempo, y también lo que cambiamos fisicamente (que en su caso no era tanta la diferencia, algo que me sorprendió mucho). La obra no pretende ser autobiográfica (aunque en parte lo sea, ya que nos da información de cada etapa de su vida, de sus nuevos cortes de pelo, su mirada, arrugas y marcas en la piel...), si no que como ya he dicho, pretende hacer alusión al paso del tiempo, uno de los tres temas centrales de su exposición.

.OTRAS OBRAS DENTRO DE LA SALA.

.RECORRER UN CUADRADO DE TODAS LAS FORMAS POSIBLES.

.TELAS ZAJ.

.ESPECTÁCULO, OLUCÁTCEPSE.

.INSTALACIÓN INTERACTIVA, SOBRES.

.DORIS SALCEDO.

.PALIMPSESTO.

Instalación que se encuentra en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro. La obra ocupa todo el suelo del Palacio. La artista Doris Salcedo vuelca toda su obra en un tema, el naufragio y la muerte de muchos inmigrantes que trataban de llegar a Europa desde las islas Filipinas para buscar una vida mejor. Los nombres están escritos en el suelo, pero no de una forma habitual, del mismo suelo surgen gotas de agua que se van uniendo para formar letras perfectas y legibles completamente, componiendo los nombres de todas esas víctimas que lucharon y que la comunidad europea ignoró, y dejó morir en las aguas del Mediterráneo. 

Doris Salcedo pretende honrar y preservar la memoria de aquellas víctimas que murieron en situaciones horribles, y con las que estamos en deuda los europeos, que cerramos los ojos ante esta situación catastrófica, dándonos a nosotros mismos el derecho de decidir sobre la vida y la muerte de miles de personas. Impresiona de esta exposición y da curiosidad la forma en la que desaparece una letra lentamente absorbida por el suelo, y aparece otra con una tipografía casi, por no decir perfecta.